Υπήρξε μια περίοδος που οι εμβληματικοί καλλιτέχνες, οι πιο μεγάλοι δάσκαλοι της ιστορίας της τέχνης άρπαζαν ένα στυλό ή ένα πινέλο για να προσπαθήσουν να καταγράψουν αυτό που έβλεπαν ή αυτό που ένιωθαν. Τα πρώτα τους έργα μπορεί να είναι συγκινητικά, αποκαλυπτικά ή απλά να μας εκπλήξουν με την καινοτομία τους, σίγουρα όμως δίνουν μία πρώτη εικόνα του ταλέντου τους που καθιέρωσε τη διάσημη καριέρα τους.

Από το Salvador Dalí μέχρι τον Pablo Picasso, αυτά είναι μερικά από τα πρώτα έργα τέχνης διάσημων καλλιτεχνών, τουλάχιστον τα παλαιότερα που έχουν διασωθεί.

Pablo Picasso, “Le Picador” (1890)

Ο εμβληματικός ζωγράφος, δημιούργησε το 1890 τον πρώτο του πίνακα στην ηλικία των 9. Πρόκειται για μία δονκιχωτική φιγούρα ενός Picador, ενός ταυρομάχου με άλογo. Είναι μια εικόνα στην οποία θα επέστρεφε σε όλη τη μακροχρόνια καριέρα του για να συμβολίσει τον ψεύτικο ιπποτισμό της άστοχης πίστης της Ευρώπης στις δικές της ρομαντικές παραδόσεις, καθώς υπέθαλπτε το φάσμα του σύγχρονου φασισμού.
Ο πίνακας αυτός αποτελεί τους πρώτους πειραματισμούς του καλλιτέχνη με τη δυναμική της κίνησης και την εκφραστική γλώσσα του χρώματος.

Δύο από τις φιγούρες του φόντου κοιτάζουν απευθείας έξω από το πλαίσιο, ενώ ο Picador και το γυναικείο κεφάλι είναι φτιαγμένα σε έντονο προφίλ. Είναι υπερβολικό να φανταστούμε ότι ο Πικάσο σαν παιδί πειραματίζεται με τις πολλαπλές προοπτικές-σημεία, εξερευνώντας προγενέστερα τους ίδιους εικονιστικούς περιορισμούς και ιδιορρυθμίες που θα τροφοδοτούσαν τις κυβιστικές του καινοτομίες; Ίσως, αλλά αυτή η εικόνα εξακολουθεί να είναι μια συναρπαστική εικόνα για το πώς ξεκίνησε και εξελίχθηκε μια ιδιοφυΐα

Leonardo da Vinci, “The Annunciation” (1472-5)

Ο πίνακας “Annunciation” θεωρείται η πρώτη δημιουργία του Leonardo da Vinci μαζί με τον Andrea del Verrocchio. Ο πίνακας απομακρύνεται από την παραδοσιακή εικονογραφία εφόσον η σκηνή του Ευαγγελισμού διεξάγεται σε έναν εξωτερικό χώρο, σε έναν κήπο έξω από το δωμάτιο της Παναγίας.

Η λίγο μεταγενέστερη, ημιτελής Προσκύνηση των Μάγων (1481) θεωρείται από τους μελετητές ως το πρώτο εντελώς ανεξάρτητο έργο του. Υπάρχουν παλαιότερα κομμάτια που έγιναν από τον Verrocchio, τον δάσκαλό του, με λεπτομέρειες από τον Leonardo, αλλά αυτό είναι γενικά αποδεκτό ότι είναι το πρώτο στο οποίο ο Leonardo είχε τον ηγετικό ρόλο. Είναι ένα απίστευτο ντεμπούτο από τον καλύτερο ίσως ζωγράφο που έχει ζήσει ποτέ.

Frida Kahlo, “Self-Portrait in a Velvet Dress” (1926)

Η Μεξικανή καλλιτέχνης Frida Kahlo μνημονεύεται για τις αυτοπροσωπογραφίες, τον πόνο και το πάθος της και τα τολμηρά, ζωντανά της χρώματα. Ένα σπάνιο παράδειγμα αριστοτέχνη-ζωγράφου που ξεκίνησε την καριέρα σχετικά αργά στη ζωή της, η Φρίντα Κάλο έχει αιχμαλωτίσει τη σύγχρονη φαντασία με τα ακατέργαστα και δυναμικά αυτοπορτρέτα της. Το “Self-Portrait in a Velvet Dress” είναι το πρώτο , που έγινε ως δώρο στον τότε σύντροφό της, Αλεχάντρο Γκόμεζ Αρίας.

Τα σκοτεινά κύματα συμβολίζουν την ταραχώδη ζωής της. Ο επιμήκης λαιμός θυμίζει την περήφανη και χαριτωμένη κομψότητα της Madonna of the Long Neck (1535) του Parmigianino ή τις στοιχειωμένες φιγούρες των πορτρέτων του El Greco. Η Kahlo ζωγράφιζε με φλογερό πάθος, αλλά και βαθιά εκτίμηση της στην τέχνη και την αισθητική. 

Salvador Dalí, “Landscape Near Figueras” (1910)

Ο Salvador Dalí, είπε κάποτε, “Σε ηλικία έξι ετών, ήθελα να γίνω μάγειρας. Στα επτά, ήθελα να γίνω Ναπολέων. Και η φιλοδοξία μου αυξανόταν σταθερά από τότε.” Μάλλον δεν είχε συνειδητοποιήσει ότι στα έξι του ήταν ήδη ιμπρεσιονιστής.

Το Landscape Near Figueras έγινε πριν από τα έβδομα γενέθλια του καλλιτέχνη και δείχνει την πρώιμη γοητεία του με τον Paul Cézanne. Η ανάμειξή της υπερρεαλιστικής δημιουργίας εικόνων με τους σουρεαλιστικούς ονειρεμένους κόσμους ήρθε αργότερα, αλλά η πρώτη δημιουργία του Dalí δείχνει το στέρεο καλλιτεχνικό-ιστορικό θεμέλιο του μοναδικού οράματός του.

Αυτή η περιοχή είναι μέρος της Καταλονίας και βρίσκεται στα βορειοανατολικά της Ισπανίας, σχετικά κοντά στα γαλλικά σύνορα. Τώρα φιλοξενεί τον ίδιο τον Dalí, ο οποίος είναι θαμμένος κάτω από ένα κτίριο που λειτουργεί και ως θέατρο και ως μουσείο. Είναι απίστευτο που ακόμη και σε αυτή τη νεαρή ηλικία, χρησιμοποιούσε ήδη λαδομπογιές.

Edvard Munch, “The Sick Child” (1907)

The Sick Child είναι ο τίτλος που δόθηκε σε μια ομάδα έξι πινάκων και μια σειρά από λιθογραφίες, που ολοκληρώθηκαν από τον Νορβηγό καλλιτέχνη Edvard Munch μεταξύ 1885 και 1926. Όλα καταγράφουν μια στιγμή πριν από το θάνατο της μεγαλύτερης αδελφής του Johanne Sophie από φυματίωση στο 15. Ο Munch επέστρεψε σε αυτό το βαθιά τραυματικό γεγονός ξανά και ξανά στην τέχνη του, πάνω από έξι ολοκληρωμένα λάδια πίνακες ζωγραφικής και πολλές μελέτες σε διάφορα μέσα, σε διάστημα 40 και πλέον ετών. Στα έργα, η Sophie εμφανίζεται συνήθως στο νεκροκρέβατό της συνοδευόμενη από μια μελαχρινή, θλιμμένη γυναίκα που υποτίθεται ότι είναι η θεία της Karen.

Κατά τη διάρκεια της καριέρας του, ο Munch επέστρεφε συχνά και δημιουργούσε πολλές παραλλαγές των έργων του. Το The Sick Child έγινε για τον Munch – ο οποίος παραλίγο να πεθάνει από φυματίωση ως παιδί – ένα μέσο για να καταγράψει τόσο τα συναισθήματα απόγνωσης όσο και την ενοχή του ότι ήταν εκείνος που επέζησε και για να αντιμετωπίσει τα συναισθήματα απώλειας για την αδερφή του. «Ήταν μια σημαντική ανακάλυψη στην τέχνη μου», έγραψε αργότερα. «Τα περισσότερα από αυτά που έκανα έκτοτε γεννήθηκαν σε αυτήν την εικόνα».

Artemisia Gentileschi, “Susanna and the Elders” (1610)

Η Gentileschi ζωγράφισε αυτή τη σκηνή από το Βιβλίο του Δανιήλ όταν ήταν μόλις 17 ετών. Η Susanna κατασκοπεύεται και στη συνέχεια εκβιάζεται για σεξ από δύο ηλικιωμένους. Αρνείται να υποχωρήσει και καταδικάζεται σε θάνατο, για να σωθεί την τελευταία στιγμή από τις αντικρουόμενες μαρτυρίες των δύο ανδρών στη δίκη. Η πανέξυπνη νεαρή Artemisia βρήκε μεγάλη παρηγοριά και δύναμη σε αυτή την ιστορία γυναικείας αντίστασης και ζωγράφισε τη σκηνή περισσότερες από μία φορές.

Το πρώτο της αυτό έργο δείχνει αφηγηματική ικανότητα και ωριμότητα στην απόδοση των δυσάρεστων εκφράσεων και του επιβλητικού σχηματισμού των δύο ανδρών σαν δύο απειλητικά σύννεφα καταιγίδας. Η Susanna απεικονίζεται σε ένα χρυσό φως, σταθερή, όμορφη και αγνή. Η επιλογή του θέματος από την Gentileschi είναι ιδιαίτερα συγκλονιστική. Ένα χρόνο μετά την ολοκλήρωση αυτού του πίνακα, η ίδια βιάστηκε από τον δάσκαλό της, Agostino Tassi. Τώρα θεωρείται φεμινιστική εικόνα για τη στωικότητα και το ταλέντο της μπροστά στις πατριαρχικές αντιξοότητες, και ο πρώτος της πίνακας προμηνύει την εξαιρετική της πορεία μπαρόκ ζωγραφική.

 Michelangelo Buonarroti, “The Torment of Saint Anthony” (1487)

Το μαρτύριο του Αγίου Αντωνίου αποδίδεται στον Μιχαήλ Άγγελο, ο οποίος φιλοτέχνησε τον πίνακα όταν ήταν μόλις 12 ή 13 ετών. Το αν ο πίνακας είναι όντως του Μιχαήλ Άγγελου αμφισβητείται. Αν και ο Μιχαήλ Άγγελος θεωρούσε τον εαυτό του πρωτίστως γλύπτη, έλαβε την πρώιμη εκπαίδευσή του ως ζωγράφος, στο εργαστήριο του Domenico Ghirlandaio (περ. 1449–1494), ενός κορυφαίου δασκάλου στη Φλωρεντία. Οι πρώτοι βιογράφοι του Michelangelo, Giorgio Vasari και Ascanio Condivi, αναφέρουν πως, εκτός από μερικά σχέδια, το πρώτο του έργο ήταν ένα ζωγραφικό αντίγραφο του χαρακτικού  “Άγιος Αντώνιος βασανισμένος από τους δαίμονες” από τον Γερμανό δάσκαλο του 15ου αιώνα Martin Schongauer.

Ο Michelangelo αναθεώρησε διακριτικά τη σύνθεση του Schongauer, καθιστώντας την πιο συμπαγή και δίνοντας στα τέρατα περισσότερα ζωώδη χαρακτηριστικά, προσθέτοντας κυρίως λέπια ψαριού σε ένα από αυτά. Συμπεριέλαβε επίσης ένα τοπίο που μοιάζει με την κοιλάδα του ποταμού Άρνο γύρω από τη Φλωρεντία. Το έργο είναι ένας από τους τέσσερις μόνο πίνακες σε καβαλέτο που γενικά θεωρείται ότι προήλθαν από το χέρι του και ο πρώτος πίνακας του Michelangelo που μπήκε σε αμερικανική συλλογή.