Η τέχνη έχει την αξιοσημείωτη δύναμη να υπερβαίνει τον χρόνο και τον χώρο, προκαλώντας βαθιά συναισθήματα, πυροδοτώντας συζητήσεις και αιχμαλωτίζοντας την ουσία της ανθρώπινης δημιουργικότητας.

Κάθε αριστούργημα είναι ένα παράθυρο στον κόσμο του δημιουργού του, προσφέροντας μια ματιά στις σκέψεις, τις εμπνεύσεις και τις ιστορίες που ήθελαν να πουν.

Υπάρχουν όμως και ορισμένες λεπτομέρειες στη ζωή του καλλιτέχνη ή την πορεία του έργου που μετατρέπουν αυτά τα αριστουργήματα σε ακόμα πιο συναρπαστικές πηγές ιστοριών και στοιχείων σημαντικών για τον κάθε πίνακα.

“Mona Lisa” – Leonardo Da Vinci, 1503

Μελετητές και ιστορικοί έχουν θέσει πολυάριθμες ερμηνείες για την ταυτότητα της γυναίκας σε αυτόν τον πίνακα. Η επικρατούσα άποψη θέλει τη Mona Lisa να είναι η Lisa del Giocondo (née Gherardini), η σύζυγος του φλωρεντίνου εμπόρου Francesco di Bartolomeo del Giocondo, εξ ου και ο εναλλακτικός τίτλος του έργου, La Gioconda. Αυτή η ταυτότητα προτάθηκε για πρώτη φορά το 1550 από τον καλλιτέχνη βιογράφο Giorgio Vasari.

Το χαμόγελό της όμως είναι αυτό που έχει εμπνεύσει μουσικούς, ποιητές καλλιτέχνες και έχει κάνει αυτόν τον πίνακα διάσημο σε κάθε γωνιά του πλανήτη.  Το 2006, μετά από μια σειρά πολυφασματικών δοκιμών απεικόνισης, ανακαλύφθηκε ότι το χαμόγελό της ήταν αρχικά πολύ πιο ευρύ και εμφανές από το χαμόγελο που αναγνωρίζουμε σήμερα.

“American Gothic” – Grant Wood, 1930

Στον διάσημο αυτό πίνακα, ο Wood ήθελε να αποτυπώσει την προηγούμενη γενιά Αμερικανών παρουσιάζοντας έναν αγρότη και την κόρη του να ποζάρουν αυστηρά και άκαμπτα, ντυμένοι σαν να ήταν, όπως το έθεσε ο καλλιτέχνης, «μορφές από το παλιό οικογενειακό μου άλμπουμ». Στέκονται έξω από το σπίτι τους, χτισμένο σε στυλ της δεκαετίας του 1880, γνωστό ως Carpenter Gothic. Ο Wood είχε δει μια παρόμοια αγροικία κατά τη διάρκεια μιας επίσκεψης στο Έλντον της Αϊόβα.

Όταν εκτέθηκε στο Ινστιτούτο Τέχνης το 1930, ο πίνακας προκάλεσε τις εντυπώσεις, ενώ η ασάφειά του ώθησε τους θεατές να κάνουν εικασίες για τις φιγούρες και την ιστορία τους. Πολλοί κατάλαβαν ότι το έργο ήταν ένα σατιρικό σχόλιο για τους μεσοδυτικούς που δεν συμβαδίζουν με έναν κόσμο που εκσυγχρονίζεται. Ωστόσο, ο Wood σκόπευε να μεταφέρει μια θετική εικόνα των αγροτικών αμερικανικών αξιών, προσφέροντας ένα όραμα καθησυχασμού στην αρχή της Μεγάλης Ύφεσης.

Το ενδιαφέρον της ιστορίας είναι ότι ο Wood σκόπευε το ζευγάρι να εκπροσωπεί πατέρα και κόρη και όχι συζύγους. Στην πραγματικότητα, τα μοντέλα για τους πίνακες δεν σχετίζονταν καθόλου. Ο άνδρας στο έργο τέχνης ήταν ο οδοντίατρος του Wood συνοδευόμενος από την αδερφή του καλλιτέχνη.

 

“Starry Night” – Vincent Van Gogh, 1889

Όλοι γνωρίζουμε για τους ψυχικούς και συναισθηματικούς αγώνες του μεγάλου ζωγράφου, Van Gogh, του οποίου τα πολύχρωμα έργα τέχνης αντιπαραβάλλουν εντυπωσιακά τις θλιβερές συνθήκες της ζωής του.

Ο έναστρος ουρανός με το γαλήνιο χωριό, του διάσημου καλλιτέχνη συνδέει γη και ουρανό. Το  κυπαρίσσι, ένα δέντρο που παραδοσιακά συνδέεται με τα νεκροταφεία και το πένθος για τον Van Gogh ολοκλήρωνε ένα έργο που του δημιουργούσε άλλα συναισθήματα «Το να κοιτάζω τα αστέρια πάντα με κάνει να ονειρεύομαι. Γιατί, αναρωτιέμαι, δεν γίνεται οι λαμπερές κουκκίδες του ουρανού να είναι τόσο προσιτές όσο οι μαύρες κουκκίδες στον χάρτη της Γαλλίας; Ακριβώς όπως παίρνουμε το τρένο για φτάσουμε στο Ταρασκόν ή στη Ρουέν, παίρνουμε τον θάνατο για να φτάσουμε σε ένα αστέρι».

Το Starry Night, το οποίο είναι αναμφισβήτητο ένα από τα πιο διάσημα έργα τέχνης που δημιουργήθηκαν ποτέ, ήταν στην πραγματικότητα η θέα που είχε ο Βαν Van Gogh από το δωμάτιό του στο ψυχιατρείο Saint-Paul-de-Mausole κοντά στην περιοχή Saint-Rémy-de-Provence στο οποίο εισήχθη οικειοθελώς ο ίδιος το 1889.

Ο καλλιτέχνης έγραψε για την εμπειρία του στον αδερφό του Theo: «Σήμερα το πρωί είδα τη χώρα από το παράθυρό μου πολύ πριν την ανατολή του ηλίου, με τίποτα άλλο στον ουρανό παρά το πρωινό αστέρι, που φαινόταν πολύ μεγάλο».

Αυτό το πρωινό αστέρι, ή η Αφροδίτη, μπορεί να είναι το μεγάλο λευκό αστέρι ακριβώς αριστερά από το κέντρο του πίνακα. Ο οικισμός, από την άλλη πλευρά, ήταν κάτι που φαντάστηκε και το κωδωνοστάσιο της εκκλησίας θυμίζει την πατρίδα του Van Gogh , την Ολλανδία.

“The Sick Child” – Edvard Munch, 1885-1886

The Sick Child είναι ο τίτλος που δόθηκε σε μια ομάδα έξι πινάκων και μια σειρά από λιθογραφίες, που ολοκληρώθηκαν από τον Νορβηγό καλλιτέχνη Edvard Munch μεταξύ 1885 και 1926. Όλα καταγράφουν μια στιγμή πριν από το θάνατο της μεγαλύτερης αδελφής του Johanne Sophie από φυματίωση στα 15.

Ο Munch επέστρεψε σε αυτό το βαθιά τραυματικό γεγονός ξανά και ξανά στην τέχνη του, se πάνω από έξι πίνακες ζωγραφικής και πολλές μελέτες, σε διάστημα 40 και πλέον ετών. Στα έργα, η Sophie εμφανίζεται συνήθως στο νεκροκρέβατό της συνοδευόμενη από μια μελαχρινή, θλιμμένη γυναίκα που υποτίθεται ότι είναι η θεία της Karen.

“The Scream” – Edvard Munch, 1893

Ίσως το πιο διάσημο και εμβληματικό έργο τέχνης του Νορβηγού ζωγράφου, ένα πορτρέτο μιας μυστηριώδους φιγούρας που ουρλιάζει με το στόμα ανοιχτό καθώς ο ουρανός και το τοπίο στροβιλίζονται σε δυσοίωνα μοτίβα. Το αγχώδες και δυσάρεστο αίσθημα που προκαλεί αυτός ο πίνακας αποτυπώνουν την ταραχώδη ζωή του. Η παιδική του ηλικία επισκιάστηκε από ασθένεια, πένθος και το φόβο μήπως κληρονομήσει μια ψυχική κατάσταση που διέτρεχε την οικογένειά του.

Ουσιαστικά το The Scream είναι αυτοβιογραφικό, μια εξπρεσιονιστική κατασκευή που βασίζεται στην πραγματική εμπειρία του Munch.

Σε μια σελίδα στο ημερολόγιό του με την επικεφαλίδα Νίκαια 22.01.1892 ο Munch έγραψε:« Ένα βράδυ περπατούσα σε ένα μονοπάτι, η πόλη ήταν από τη μία πλευρά και το φιόρδ από κάτω. Ένιωσα κουρασμένος και άρρωστος. Σταμάτησα και κοίταξα πάνω από το φιόρδ – ο ήλιος έδυε και τα σύννεφα έγιναν κόκκινα σαν αίμα. Ένιωσα μια κραυγή που διαπερνούσε τη φύση. Μου φάνηκε ότι άκουσα την κραυγή. Ζωγράφισα αυτή την εικόνα, ζωγράφισα τα σύννεφα σαν πραγματικό αίμα. Το χρώμα στρίγγλισε. Αυτό έγινε “Η Κραυγή”»

Το αγωνιώδες πρόσωπο του πίνακα ταυτίζεται ευρέως με το ΄΄angst΄΄ (αγωνία, φόβος, άγχος) του σύγχρονου ατόμου. Ο αρχικός γερμανικός τίτλος που έδωσε στο έργο του ήταν Der Schrei der Natur (Η Κραυγή της Φύσης) και ο νορβηγικός τίτλος είναι Skrik (Shriek).

Την εποχή που το ζωγράφιζε πάλευε με την κατάθλιψη και τον αλκοολισμό, ενώ πέρασε και ένα μέρος της ζωής του σε ψυχιατρικό ίδρυμα. Ευτυχώς, η παραμονή του ήταν αρκετά επιτυχημένη και μπόρεσε να συνεχίσει να είναι παραγωγικός καλλιτέχνης για το υπόλοιπο της ζωής του.

Στον πίνακα αυτό, απεικονίζοντας τη δική του νοσηρή εμπειρία, το φόντο παραμορφώνεται σε ένα άμορφο, δυσοίωνο τοπίο. Η κραυγή θα μπορούσε να ερμηνευτεί ότι εκφράζει την αγωνία της εξάλειψης της ανθρώπινης προσωπικότητας. Είναι σημαντικό, ότι αν και το έργο είναι αυτοβιογραφικό, ο πρωταγωνιστής δεν μοιάζει με αυτόν ή με κανέναν άλλον. Το πλάσμα στο προσκήνιο έχει αποπροσωποποιηθεί και συνθλίβεται σε μία άφυλη φιγούρα που βρίσκεται σε αγωνία και τρόμο.

“Woman in Gold”- Gustav Klimt , 1903-1907

Η γυναίκα που αποτυπώνεται σε αυτόν τον πίνακα είναι η Adele Bloch-Bauer. Ο σύζυγος της, ο Τσέχος μεγιστάνας της ζάχαρης Ferdinand Bloch-Bauer, ανέθεσε στον Αυστριακό συμβολιστή ζωγράφο Gustav Klimt να ζωγραφίσει δύο πορτρέτα της συζύγου του όταν ήταν 25 ετών. Το πρώτο και πιο διάσημο από τα δύο έγινε αργότερα γνωστό ως “Woman in Gold” και είναι ένα από τα πιο αντιπροσωπευτικά έργα της χρυσής εποχής του καλλιτέχνη. 

Η Adele πέθανε το 1925. Η διαθήκη της ζητούσε τα έργα τέχνης του Klimt να δοθούν κάποια στιγμή στην Galerie Belvedere, αν και αυτά τα έργα ανήκαν στον Ferdinand, όχι σε αυτήν.
Όταν οι Ναζί εισέβαλαν στην Αυστρία στα τέλη της δεκαετίας του ’30, έκλεψαν από πλούσιους Εβραίους όπως ο Bloch-Bauer, παίρνοντας ολόκληρη τη συλλογή έργων τέχνης του και το βραβευμένο τσέλο Stradivarius.

Ο δικηγόρος που ενεργούσε για λογαριασμό του γερμανικού κράτους έδωσε το πορτρέτο στην Galerie Belvedere, ισχυριζόμενος ότι ακολουθούσε τις επιθυμίες της Adele στη διαθήκη της. Ο Ferdinand πέθανε το 1945. Η διαθήκη του ανέφερε ότι η περιουσία του έπρεπε να πάει στον ανιψιό του και στα δύο ανίψια του. Η ανιψιά του Frederick, Maria Altmann, αποφάσισε λοιπόν το 2001 να διεκδικήσει την περιουσία της οικογένειάς της.

Το 2006 μετά από μία μακρά δικαστική μάχη, η οποία περιλάμβανε ακρόαση ενώπιον του Ανώτατου Δικαστηρίου των Ηνωμένων Πολιτειών, μια επιτροπή διαιτησίας στη Βιέννη συμφώνησε ότι ο πίνακας και άλλοι είχαν κλαπεί από την οικογένεια και ότι έπρεπε να επιστραφεί στην Altmann. Τον πούλησε την ίδια χρονιά για 135 εκατομμύρια δολάρια, τότε τιμή ρεκόρ για έναν πίνακα στον επιχειρηματία και συλλέκτη έργων τέχνης Ronald Lauder για να τοποθετήσει το έργο στη Neue Galerie, τη δημόσια γκαλερί με έδρα τη Νέα Υόρκη που ίδρυσε ο ίδιος.

 “Susanna and the Elders”- Artemisia Gentileschi, 1610

Η Gentileschi ζωγράφισε αυτή τη σκηνή από το Βιβλίο του Δανιήλ όταν ήταν μόλις 17 ετών. Η Susanna κατασκοπεύεται και στη συνέχεια εκβιάζεται για σεξ από δύο ηλικιωμένους. Αρνείται να υποχωρήσει και καταδικάζεται σε θάνατο, για να σωθεί την τελευταία στιγμή από τις αντικρουόμενες μαρτυρίες των δύο ανδρών στη δίκη. Η πανέξυπνη νεαρή Artemisia βρήκε μεγάλη παρηγοριά και δύναμη σε αυτή την ιστορία γυναικείας αντίστασης και ζωγράφισε τη σκηνή περισσότερες από μία φορές.

Το πρώτο της αυτό έργο δείχνει αφηγηματική ικανότητα και ωριμότητα στην απόδοση των δυσάρεστων εκφράσεων και του επιβλητικού σχηματισμού των δύο ανδρών σαν δύο απειλητικά σύννεφα καταιγίδας. Η Susanna απεικονίζεται σε ένα χρυσό φως, σταθερή, όμορφη και αγνή. Η επιλογή του θέματος από την Gentileschi είναι ιδιαίτερα συγκλονιστική. Ένα χρόνο μετά την ολοκλήρωση αυτού του πίνακα, η ίδια βιάστηκε από τον δάσκαλό της, Agostino Tassi. Τώρα θεωρείται φεμινιστική εικόνα για τη στωικότητα και το ταλέντο της μπροστά στις πατριαρχικές αντιξοότητες, και ο πρώτος της πίνακας προμηνύει την εξαιρετική της πορεία μπαρόκ ζωγραφική.