Η Γερμανίδα καλλιτέχνης Ρεβέκκα Χορν (Rebecca Horn), μια φωτεινή παρουσία στον κόσμο της τέχνης, άφησε την τελευταία της πνοή στην ήσυχη πόλη Bad König πριν λίγες μέρες, στις 6 Σεπτεμβρίου, σε ηλικία 80 ετών. Η είδηση του θανάτου της, που επιβεβαίωσαν το ίδρυμα και η γκαλερί της, ήρθε σαν μια σιωπηλή καμπάνα που χτύπησε για να σηματοδοτήσει την απώλεια μιας εμβληματικής μορφής. Η Χορν, γνωστή για τις οραματικές χορογραφίες της που συνδυάζουν το σώμα, τον χώρο και τις μηχανές, άφησε πίσω της ένα έργο που προφήτευσε καλλιτεχνικά κινήματα τα οποία δεν είχαν ακόμη φανεί στον ορίζοντα.

«Η Ρεβέκκα ήταν μια ηρωική, πρωτοπόρος καλλιτέχνης, της οποίας η άγρια ανεξαρτησία, η ενέργεια και το πνεύμα άγγιξαν όλους όσοι βρέθηκαν κοντά της», δήλωσε ο Sean Kelly, γκαλερίστας της Χορν για σχεδόν τέσσερις δεκαετίες. Οι λέξεις του αντήχησαν σαν μια μελωδία, αποτυπώνοντας την επιρροή της στην καλλιτεχνική κοινότητα. «Είναι τιμή μου που είχα το προνόμιο να δουλέψω μαζί της και που μπόρεσα να την αποκαλώ φίλη μου. Θα μας λείψει πολύ».

Η ιστορία της Χορν ξεκινά το 1944, σε μια εποχή που ο κόσμος βρισκόταν σε αναταραχή. Γεννημένη στην πόλη Michelstadt, οι γονείς της, Εβραίοι, αναγκάστηκαν να κρυφτούν στον Μέλανα Δρυμό με το μωρό τους, περιμένοντας την ασφάλεια του τέλους του πολέμου. Από μικρή ηλικία, η Ρεβέκκα βρήκε καταφύγιο στη ζωγραφική, μια τέχνη που την παρηγόρησε όταν νοσηλεύτηκε για φυματίωση ως έφηβη, προσφέροντάς της μια διέξοδο από τον πόνο και την απομόνωση.

Σε ηλικία μόλις 20 ετών, η Ρεβέκκα Χορν βρέθηκε αντιμέτωπη με μια νέα δοκιμασία, καθώς μια σοβαρή ασθένεια την χτύπησε ξανά, αναγκάζοντάς την να εγκαταλείψει την Ακαδημία Καλών Τεχνών του Αμβούργου. Η αθώα περιέργεια της νεαρής καλλιτέχνιδας την είχε οδηγήσει να εργαστεί με υαλοβάμβακα, χωρίς την απαραίτητη προστασία με μάσκες, και οι συνέπειες ήταν καταστροφικές: υπέστη σοβαρή φλεγμονή των πνευμόνων. Η ζωή της, που ήδη είχε γνωρίσει τη σκληρότητα της ασθένειας, την οδήγησε σε ένα σανατόριο, όπου πέρασε ένα ολόκληρο έτος ανάρρωσης.

Αυτή η περίοδος, γεμάτη μοναξιά και αναστολή, δεν ήταν απλώς μια δοκιμασία, αλλά και μια πηγή έμπνευσης. Καθώς η Ρεβέκκα ανάρρωνε, οι σκέψεις της άρχισαν να μεταμορφώνονται σε δημιουργία. Μετά την ανάρρωσή της, επανήλθε στο καλλιτεχνικό προσκήνιο, αλλά αυτή τη φορά με μια νέα προοπτική. Επέκτεινε την καλλιτεχνική της έκφραση, εστιάζοντας στην performance art, την εγκατάσταση και τον κινηματογράφο, αναζητώντας τις δυνατότητες αλλά και τους περιορισμούς της κατοίκησης ενός σώματος. Αυτή η γοητεία δεν την εγκατέλειψε ποτέ, καθώς η Χορν συνέχισε να εξερευνά τις αβύσσους της ανθρώπινης ύπαρξης και τις σχέσεις της με τον κόσμο γύρω της.

Η καριέρα της, που εκτεινόταν σε έξι δεκαετίες, την οδήγησε σε πολλές από τις πιο ζωντανές και πολιτισμικά πλούσιες πόλεις του κόσμου: Λονδίνο, Παρίσι, Νέα Υόρκη και Βερολίνο. Κάθε τόπος πρόσθεσε μια νέα διάσταση στο έργο της, καθώς η Χορν συνέχισε να εξελίσσεται και να αναζητά την καλλιτεχνική της φωνή. Το 2010, ίδρυσε το Ίδρυμα Moontower στο Bad König της Γερμανίας, ένα καταφύγιο για την τέχνη και τη δημιουργικότητα.

Η συμμετοχή της στην Documenta δύο φορές, το 1972 και το 1982, καθώς και οι ατομικές εκθέσεις της σε εμβληματικούς χώρους όπως η Nationalgalerie του Βερολίνου, το Serpentine και η Tate του Λονδίνου, το Guggenheim της Νέας Υόρκης και το MOCA του Λος Άντζελες, αποδεικνύουν τη σημασία της στο καλλιτεχνικό στερέωμα. Το έργο της, γεμάτο από ανατροπές και καινοτομία, αποτελεί επί του παρόντος αντικείμενο αναδρομικής έκθεσης στο Haus der Kunst στο Μόναχο, έως τις 13 Οκτωβρίου, προσκαλώντας τους θεατές να βυθιστούν στον κόσμο της.

Mέσα από τρία σπουδαία έργα της Χορν κάνουμε μια αναδρομή στο σημαντικό εύρος και την προνοητικότητα του έργου της.

Bleistiftmaske (Pencil Mask), 1972

Στις αρχές της δεκαετίας του 1970, η Χορν αγκάλιασε το κλασικό μεταμοντέρνο μέσο της performance art, αναζητώντας να ξεπεράσει τα φαινομενικά σωματικά μας όρια. Με την εφευρετικότητά της, επινόησε φορετά γλυπτά που της επέτρεπαν να επεκτείνεται στο περιβάλλον της με νέους και απροσδόκητους τρόπους, σαν να ήταν μια μαγική μεταμόρφωση. Ένα από τα πιο εμβληματικά της δημιουργήματα ήταν η Pencil Mask, μια δερμάτινη bondage μάσκα η οποία μπορούσε να δεθεί στο κεφάλι του χρήστη και όταν τη φορούσε θύμιζε κλουβί που τυλίγει το πρόσωπο. Από αυτό το περίεργο προσωπείο, αιχμηρά μολύβια προεξείχαν από το πρόσωπο, μετατρέποντας τον άνθρωπο σε ένα μοναδικό όργανο για χοντροκομμένο σχέδιο.

«Όλα τα μολύβια έχουν μήκος περίπου δύο ίντσες και παράγουν το προφίλ του προσώπου μου σε τρεις διαστάσεις», εξηγούσε η Χορν με το χαρακτηριστικό της χαμόγελο. «Μετακινώ το σώμα μου ρυθμικά από αριστερά προς τα δεξιά μπροστά από έναν λευκό τοίχο. Τα μολύβια δημιουργούν σημάδια στον τοίχο, η εικόνα των οποίων αντιστοιχεί στο ρυθμό των κινήσεών μου, σαν να ζωντανεύει ο τοίχος κάτω από την επαφή μου». Καθώς η Ρεβέκκα κινούνταν με χάρη, το πρόσωπό της σχεδίαζε ένα μοναδικό χορό, ένα μουσικό κομμάτι που μόνο εκείνη μπορούσε να ακούσει. Ήταν σαν να είχε γίνει ένα με το έργο της, να έχει αφήσει πίσω της τα ανθρώπινα όρια και να ταξιδεύει σε έναν κόσμο όπου το σώμα και η τέχνη ήταν ένα.

Η Pencil Mask ήταν ένα παράδειγμα της ικανότητας της Χορν να μετατρέπει το απλό σε εξαιρετικό, να βλέπει τον κόσμο μέσα από μια διαφορετική οπτική γωνία. Καθώς η δεκαετία του ’70 έφτανε στο τέλος της, το έργο της συνέχισε να εξελίσσεται, και να μεταμορφώνεται. Η Ρεβέκκα Χορν έγινε σύντομα μια καλλιτέχνις-μάγισσα, μεταμορφώνοντας την πραγματικότητα με κάθε της δημιουργία.

Pfauenmaschine (Peacock Machine), 1982

Στις αρχές της δεκαετίας του 1980, η Χορν άρχισε να κατασκευάζει μηχανοκίνητα γλυπτά, από τα οποία ένα από τα πρώτα ήταν το Peacock Machine, που σχεδιάστηκε για την Documenta 7 το 1982. Από το παράξενο αυτόματο έργο προεξέχουν μακριές ράβδοι αλουμινίου που απλώνονται σαν τα φτερά της ουράς ενός παγωνιού.

Η ίδια η καλλιτέχνις περιέγραψε το έργο σε ένα ποίημα, γράφοντας για το πώς, «πυροδοτημένη από τις κραυγές των αρσενικών παγωνιών που ερωτοτροπούν, μια μηχανή στο κέντρο του οκταπλεύρου ναού αρχίζει να αναδεύεται και απλώνει τις μακριές μεταλλικές της αισθήσεις σαν βεντάλια μέσα στο δωμάτιο, σε βαθιά συγκέντρωση, τρομάζει καθώς ακουμπάει στον τοίχο, ηρεμεί από τον ήχο του χρυσού καταρράκτη, η ανοιγμένη ημικυκλική βεντάλια βυθίζεται στο πάτωμα κλείνοντας προστατευτικά το δωμάτιο».

Καθώς το γλυπτό εκτελεί την επαναλαμβανόμενη ακολουθία κινήσεων του, σαν να ζωντανεύει μέσα από τις μηχανικές του λειτουργίες, μια αίσθηση ζωής διαχέεται μέσα του. Είναι σαν να έχει ψυχή, μια ψυχή που αναδύεται από τον συνδυασμό της τεχνολογίας και της φαντασίας. Το αλλόκοτο αντικείμενο, μισό ζώο και μισό μηχανή, αιωρείται σε έναν κόσμο ανάμεσα στο πραγματικό και το φανταστικό. Καθώς οι δεκαετίες περνούν, αυτή η αμφισημία γίνεται ολοένα και πιο επίκαιρη, καθώς η τεχνολογία εισβάλλει βαθύτερα στην καθημερινή μας ζωή. Τα όρια μεταξύ ανθρώπου και μηχανής γίνονται ολοένα και πιο θολά, καθώς οι μηχανές αποκτούν ολοένα και πιο σύνθετες λειτουργίες και οι άνθρωποι εξαρτώνται όλο και περισσότερο από αυτές. Το γλυπτό, με τις επαναλαμβανόμενες κινήσεις του, γίνεται ένα σύμβολο αυτής της σύγχυσης, μια υπενθύμιση ότι ακόμα και τα πιο απλά αντικείμενα μπορούν να αποκτήσουν μια αύρα ζωής. Καθώς το γλυπτό κινείται, σχεδόν σαν να αναπνέει, μια αίσθηση μυστηρίου και μαγείας διαχέεται γύρω του. Είναι σαν να έχει ξυπνήσει από έναν αρχαίο ύπνο, έτοιμο να μας αποκαλύψει τα μυστικά του. Το αλλόκοτο αντικείμενο, με τις μηχανικές του κινήσεις, μας προσκαλεί να αναρωτηθούμε για τη φύση της ζωής, για το τι σημαίνει να είσαι ζωντανός σε έναν κόσμο που γίνεται ολοένα και πιο τεχνολογικός. Καθώς το γλυπτό συνεχίζει να κινείται, σαν να χορεύει σε έναν δικό του ρυθμό, μια αίσθηση κατανόησης αρχίζει να διαχέεται μέσα μας. Ίσως αυτό το αλλόκοτο αντικείμενο να έχει κάτι να μας διδάξει, κάτι για τον τρόπο με τον οποίο η τεχνολογία και η ζωή μπορούν να συνυπάρξουν αρμονικά. Ίσως να είναι μια υπενθύμιση ότι ακόμα και στον πιο τεχνολογικό κόσμο, η μαγεία και η ζωή μπορούν να βρουν έναν τρόπο να ανθίσουν.

Concert for Anarchy, 1990

Στο Concert for Anarchy ένα πιάνο είναι κρεμασμένο ανάποδα από το ταβάνι, ψηλά πάνω από τα κεφάλια των θεατών. Κάθε λίγα λεπτά, τα πλήκτρα ξεπηδούν από το πιάνο με μια ξαφνική, εκνευριστικά δυνατή κίνηση, αφήνοντάς τα απλωμένα, σαν δάχτυλα που προεξέχουν από το χώρο όπου συνήθως βρισκόταν το ομαλό και τακτοποιημένο πληκτρολόγιο. Εν τω μεταξύ, το καπάκι του πιάνου ανοίγει για να δείξει την εσωτερική λειτουργία του οργάνου. Μετά από λίγα λεπτά, τα πλήκτρα αποσύρονται και το καπάκι κλείνει, και το πιάνο είναι τότε έτοιμο να επαναλάβει τον ίδιο αδέξιο και απρόβλεπτο κύκλο για άλλη μια φορά. Για το έργο αυτό, η Χορν έχει πει: «Μου αρέσει οι μηχανές μου να κουράζουν… Είναι κάτι περισσότερο από αντικείμενα. Δεν είναι αυτοκίνητα ή πλυντήρια ρούχων. Ξεκουράζονται, προβληματίζονται, περιμένουν». Παρά την επανάληψή της, η λειτουργία του έργου δεν καταφέρνει να γίνει ποτέ οικεία, δεν είναι ποτέ η ίδια – η ικανότητά του να καθιστά τους θεατές αβέβαιους παραμένει όσο το περιεργάζονται.

Inferno, 1993

Στις αρχές της δεκαετίας του 1990, η Ρεβέκκα Χορν αποφάσισε να μπει σε μια νέα καλλιτεχνική διάσταση, δημιουργώντας εγκαταστάσεις μεγάλης κλίμακας που θα άφηναν το αποτύπωμά τους στην τέχνη. Ανάμεσα σε αυτές, το έργο που φέρει τον τίτλο Inferno ξεχώρισε, σαν ένα φανταστικό όνειρο που συνδυάζει τον τρόμο και την ομορφιά. Φανταστείτε ένα χώρο γεμάτο από κλασικά νοσοκομειακά κρεβάτια, με μεταλλικούς σκελετούς που προέρχονται από ψυχιατρικές πτέρυγες. Αυτά τα γυμνά κρεβάτια, με τα ελατήρια τους άθικτα, έχουν σφηνωθεί μεταξύ τους, σχηματίζοντας μια αλληλοσυμπληρούμενη, στοιβαγμένη μάζα που αιωρείται από την οροφή, σαν να προσπαθεί να ξεφύγει από τη γη. Στην κορυφή αυτής της ψηλής δομής, ένα μοναδικό κρεβάτι, φτιαγμένο με στρώμα και σεντόνια, μοιάζει να είναι ακόμα σε χρήση, σαν να περιμένει τον επόμενο επισκέπτη του. Τα γυάλινα σωληνάκια που διατρέχουν την εγκατάσταση αναβοσβήνουν περιοδικά, όπως οι αστραπές που φωτίζουν τον σκοτεινό ουρανό, προσθέτοντας μια αίσθηση μαγείας και ανατριχίλας. Ο τίτλος “Inferno” δεν είναι τυχαίος, καθώς παραπέμπει στο πρώτο άσμα της Θείας Κωμωδίας του Δάντη, προσκαλώντας τους θεατές να αναλογιστούν την έννοια της σωτηρίας και της καταδίκης. Η φαινομενικά επισφαλής εγκατάσταση προκαλεί ρίγη, καθώς τα κρεβάτια δεν παρουσιάζονται ως τόποι αποκατάστασης, αλλά ως δυνητικοί χώροι πόνου και αγωνίας. Ο θεατής, βυθισμένος σε αυτή την ατμόσφαιρα, αφήνεται να φανταστεί τη σχέση του ανθρώπινου σώματος με το έργο, ίσως και με το δικό του πόνο. Στο έργο Inferno, η τέχνη γίνεται μια ζωντανή εμπειρία, μια αναζήτηση που μας οδηγεί σε σκοτεινές γωνιές της ψυχής μας, όπου η ομορφιά και ο τρόμος συνυπάρχουν σε μια αέναη χορογραφία.

Turm der Namenlosen (Tower of the Nameless), 1994

Το Tower of the Nameless αποτελείται από μια πολύπλοκη και επισφαλή εγκατάσταση από σκάλες και βιολιά που φτάνουν από το δάπεδο μέχρι το μπαλκόνι ενός ιδιωτικού σπιτιού στη Βιέννη. Το έργο δημιουργήθηκε ως φόρος τιμής στα θύματα και τους πρόσφυγες που δημιούργησε ο πόλεμος στην πρώην Γιουγκοσλαβία στις αρχές της δεκαετίας του 1990. Η Χορν περιέγραψε πώς «προσαρτημένα στον πύργο της σκάλας ήταν εννέα βιολιά, που έπαιζαν μηχανικά στον εαυτό τους με έναν μανιακό, μελαγχολικό αναστεναγμό… Το ονόμασα έτσι από ένα μικρό νεκροταφείο στις όχθες του Δούναβη λίγο έξω από τη Βιέννη, το οποίο κατοικείται από τα άγνωστα σώματα όσων βρέθηκαν να επιπλέουν άψυχα στο ποτάμι». Η Χορν εξέθεσε επίσης το έργο στο Kestner Gesellschaft στο Ανόβερο το 1997 και είναι ένα από τα πολλά μνημειώδη έργα που έχει φιλοτεχνήσει η καλλιτέχνιδα για να τιμήσει τους φρικτούς αγώνες που βιώνουν οι άνθρωποι στον πόλεμο.

 

 

➸ Ακολουθήστε το OLAFAQ στο Facebook, X/Twitter και Instagram.

 

 

Ακολουθήστε το OLAFAQ
στο Google News